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1 ) 天才一族 简评
二维平面化的机位和视角构成了一种仿佛绘本和童话般的镜头风格，同时整体的暖色调以及对一切精巧有趣玩物的捕捉(玩具、宠物等)加强了这种“纯真孩童风”
不仅是从元素上，而是从视觉逻辑上构建出了一个非成人的“儿童”世界(“看”的逻辑，元素被呈现的“幼稚”逻辑)，但世界中的人物却是远超一般人的成人(角色标签的丰富性)，也并不避讳甚至夸张谈及性、爱、死亡、暴力、精神问题等主题，从而反向突显了成人世界本身的残酷
当这种残酷被凸显，我们才发现所谓的“孩童风格”就是一种赤裸裸的遮掩，是充满情感问题的成人面对自我残缺时的羞耻掩盖，以及无法处理一切的神经质感慨，没有成人和孩童的划分，或者说，这里的成人都是无能为力的孩童，当历经千回百转获得幸福的时刻，就是他们长大的时刻。
也在此时(结尾撞车戏)，镜头终于有了突破“孩童风格”的意识，有了空间感，立体了起来，二维平面被打破，电影从形式本身的改变中得以获得向前的动力，奔向幸福的结局。
2 ) 糖纸包裹的破碎人生
0 Let's Shag Ass
1 导演
韦斯·安德森，想必对摄影抑或是美术感兴趣的影迷都对他并不陌生。前后获得过共计七次奥斯卡提名奖，其中《布达佩斯大酒店》更是将当年的奥斯卡最佳影片奖、导演奖和最佳原创剧本奖的提名收入囊中。韦斯的电影个人风格以其画面上明亮的色彩与对称的构图、叙事上多与童稚和离经叛道相关的情节、重复出现的演职人员和不时出现的男声旁白、出色的配乐而强烈又气质独特，只要看完任意一部，再看其他韦氏的电影，都能很清晰地从他的个人风格辨认出他的作品。
值得一提的是，我们在用颜色传达心情时，无非是以冷调表现悲伤、忧郁的情绪，抑或者认为橙色、黄色本身就象征着明快与愉悦，但韦斯却利用颜色原本带给人的印象，传递着与其截然不同的情绪。
《天才一族》中，Tenenbaum一家都或多或少拥有怪诞的性格和精神创伤或疾病，但整部电影的色调却一如情景式家庭喜剧版明亮而温馨，很容易让观众在一开始忽略其主角们的心理问题。恰巧是这种感官情绪的反差感，将韦斯安德森的电影用一层鲜艳的膜包裹住，戳破之后，里面流淌出来的皆是在一个糖果般的童话世界里拿着自己的黑色幽默与或是童年创伤、或是战争、或是死亡作斗争的角色们。
他们如《布达佩斯大饭店》中的古斯塔夫先生，在严肃的时刻冷不丁冒出一句脏话，与平日里温文尔雅措辞讲究的形象大相径庭；
又如Margot Tenenbaum，在数十年如一日的看似单调的生活里，藏进浴缸小小一隅，在内心世界里翻滚着叛逆自由的欲望；
抑或是《青春年少》中早熟的挂科少年麦克斯·菲舍尔在约会上破口大骂。
韦氏电影的内核，是在荒诞的世界里，戏谑而活。
2 叙事
无疑，《天才一族》讲述的还是韦氏熟悉的家庭情节，一个被人津津乐道的天才家庭，三个孩子各有所长：大儿子Chas擅长金融财政，二女儿Margot自幼成为著名剧作家，而小儿子Richie则是网坛冉冉升起的一颗新星，十七岁时改行成为赛车手也能连续三年夺冠。就是在这样一个看似教子有方、儿女年少有为的家庭中，实际上存在着不小的根结和隐患。
主要问题出在一家之主，本片的主角Royal Tenenbaum身上。
他玩世不恭，在四十五岁时突然宣布与妻子分居而住进酒店，影片中却并没有解释他这样做的缘由。他的妻子Etheline独自抚养三个孩子长大，在他们身上倾注的太多关心，也使得三个孩子的性格逐渐变得幼稚、孤僻或敏感。
在用短短十分钟不到的时间里在开头交代完所有的故事背景、用几个镜头塑造出完整鲜活的人物形象且演职人员都交代得一干二净后，立刻出现在屏幕上的“Chapter 1”，直接给出观众信息：故事进入正片，好戏刚刚开场。
以Royal为了重新感受家庭的温暖，假装得了胃癌而要求重回旧宅与家人们居住作为触发点，一系列重逢、矛盾、争吵与和解应声接踵而来，一个接一个，在Royal这一经历岁月洗礼而成为“外人”的角色的干预中，如同一潭死水终于有了浮沫上搅动的一根树枝，重又焕发出家的生机。
一个理想的家庭不会全是完满的团聚与幸福，那些掩藏在渐渐滋生的隔阂下方的、自不知多久前就早已悄然埋下了的悸动、遗憾与执念，在自杀未遂后儿时的帐篷里睡袋旁，在一次意外的并未造成太大死伤的车祸中，被一一重新唤起。以一个童话般的结局收束全片，Royal是触发器，最终也通过一场葬礼，让整个家庭重又聚在一起。
叙事上，导演选择了时间顺序+插叙这种常见的叙事手法。但插叙也并非中规中矩，其中在讲述Margot的过往时，导演采用了Margot的配偶寻找到了侦探，他翻开调查报告而向观众娓娓道来的表现手法，像是嵌套在小说中的又一个微缩版小说故事。辅以不时出现的男声旁白，看韦氏的电影，常能感觉到他叙事，尤其是插叙的动人感。
韦氏在电影中一些叙事的小细节也值得注意。在《天才一族》和《布达佩斯大饭店》里，都有出现类似这样的“章节”们。
在过场后的下一秒种，就是这里描述的Royal进入酒店大堂，询问百科全书在哪里的镜头。
这种分章节叙事，类似于将剧本嵌入电影中的格式，使得电影更有逻辑，观众看起来也会更加明晰。也是自认为韦氏电影中很可爱的小亮点。
3 角色
韦斯安德森电影中有太多角色有着或严重或轻微的心理问题，且大多与童年经历挂钩。童年，不太圆满幸福、过于早熟的童年，在所有人身上都留下了不可磨灭的创伤。
拿Chas举例，由于妻子在事故中丧生，也由于父亲在童年游戏时的一粒子弹，Chas的心智实则始终停留在了孩提时代。他选择不去面对长大成人后的世界，对于自己两个孩子也是严苛训练，其实是将父亲原本施给他的大条关心，原封不动又以一种更加神经质的方式施予他的孩子们。
颇为有趣的的一点是，寄予厚望的两个孩子最后反倒是与他们被老爸痛恨的玩世不恭的祖父玩到了一起。
Ches小时候养的达尔马提亚小鼠，贯穿整部电影始终。或许它象征着Ches孩提时代的天才一面，但这也成为了他的桎梏。当Royal回到家中，Ches与他关系僵硬闹别扭的时候，他的小鼠却常常徘徊在Royal的病榻前，暗示着Ches其实还是渴望着童年那点稀缺的父爱。
而最后，在哽咽着和父亲说出那句“I’ve had a rough year, Dad”的时候，想必他也是在看到父亲为了补偿他、补偿一家人而作出的努力后，受到触动而最终接受了抒发情绪、学会长大这一事实吧。
4 美术设计
既然说到韦斯安德森的电影，一定要提一提他电影中的美术设计。
《天才一族》的Production Design，David Wasco，曾经负责过《低俗小说》《爱乐之城》《杀死比尔》和《落水狗》等电影的美术设计，凭《爱乐之城》拿下了第八十九届奥斯卡的最佳美术指导。场景设计则出自Sandy Reynolds-Wasco之手。
随着拍摄的电影数量的增多，韦氏也逐渐建立了一种高饱和度（Saturation）、多用原色（色相 Hue）且明亮（亮度 Brightness）的美学风格，而他的电影中如果出现了低明度的场景，则能使得观众很明显感觉到压抑的环境带来的情绪的转变。
用明快的色调形成鲜明的对比，根据导演风格和情节需要作出相应的调整，在《天才一族》中，我们能看到色彩选择和场景设计上的独特之处，通过一个人的房间来反映出一个人的个性。
首先是Ches的房间，采用了红+白+灰白方格砖这一色彩搭配，有种稳重、典雅的味道。
为了满足Ches工作的需求，房间正中央靠窗的地方摆了一张上有咖啡机、电脑、台灯和电话的工作台，灰色与Ches身上的西装相呼应。
以及靠墙的四层看上去比小Ches还高的资料架。这一系列家具装潢风格，本不应该出现在孩提时代中，却在Ches的房间里变得随处可见，彰显Ches作为孩童早熟的一面。
接下来是女儿Margot的房间。Margot个性孤僻且古怪，门上散发着浓浓历史气息的古代人头为后来她和弟弟去博物馆露营作了个小小的铺垫。三处写着“不要打扰”“保持房门关闭”和“请勿入内”的标签以及门上无数锁孔和一把红色的锁，象征着Margot内心的封闭，也不难解释为何她后来会把自己成天锁在浴室里抽烟看电视。
家具的选择和室内装潢同样非常复古，在对称构图中背景里左右墙饰不同、左侧台灯比右侧蜡烛和收音机要大，在秩序感中增加了一份动感。黑胶机就放在床边，Margot平日里应该常会听歌来找寻写作灵感、释放内心情绪。
图书馆的装潢也相当好看。三分法构图，Margot在最左侧，右边两格都是书。
最后来到Richie的房间。相较哥哥姐姐，Richie的房间用色更加明快大胆，撞色使用的频率更高，主要涉及到棕色、青蓝、靛蓝和抹茶绿等颜色——Richie也是三人中自幼被Royal关爱最多的一位，在三个孩子中最像一个普通儿童在这个年龄段该表现出的样子。
墙上有着Richie的灵魂画作，和父亲还有奖杯的合影，也暗示了父子的关系相较其余二人融洽许多。壁柜上玲珑满目的奖杯，除了好几只上面的小人都一样，其他没有一尊是重复的。
地上双色的圆形网球使得整幅画面活泼了起来。
地毯花纹采用了非常大胆的蓝绿撞色，弯折的纹路使得整个房间从头到脚都充满了童趣。
舞厅的墙上挂满了Rickie画的姐姐，两人的情感关系在影片开场五分钟已不言而喻。
除了布景和颜色，角色的服装也能很好反映出他们的性格差异。
依旧是影片开头，三小只在与父亲对峙时分别穿了条纹Polo衫、西装和棒球服，对应三人剧作家、金融家和球手的身份。而这样的穿衣风格在长大后则或多或少发生了变化，尤为明显的是大哥Ches，长大后的饰演者Ben Stiller全片就两件运动服，款式完全一致，除了在父亲葬礼上穿了黑色，其余时间都是一身红，随着年纪增长，反而穿得越来越孩子气了。
本片服化主要分别出自Karen Patch和Naomi Donne二位之手。服装设计秉持了韦氏全身上下统一颜色的风格，如全身红色、黄色或是紫色。在《水中生活》中船员戴的红色圆帽，《穿越大吉岭》中的红色车辆，《青春年少》里Max的红色帽子以及Ches始终如一的红色运动服和卷毛，以及他卧室中非常孩子气的装潢和墙上的贴纸，这些角色的衣着配饰都带有红色这一元素，也都是他们在时代洪流中停滞原地、需要解决成长中不同问题的象征。
而Margot长大后的朋克穿衣风格——一身长款皮草大衣，爱马仕的Birkin包，内搭蓝色连衣裙，齐肩短发配大红发卡，再加上一下子增加了她身上不羁感的烟熏妆，漂亮地衬托出她孤僻古怪的气质，也俨然成为了时尚圈近些年来不少品牌竞相模仿的穿搭范本。
5 配乐
韦斯安德森的配乐选择其实很old school，有许多来自六十年代的音乐作品。而《天才一族》中则出现了《Hey Jude》，《These Days》这样的为故事情节作渲染的画龙点睛之笔。
These days I sit on corner stones
And count the time in quarter tones to ten
Please don't confront me with my failures
I had not forgotten them
在Nico的歌声中，阔别许久的年少时的心上人从不远处走来，微风拂过，发丝飘动，这种恰到好处的情感，被配乐烘托出了微妙而又浓稠的氛围。
韦斯安德森在《天才一族》中也使用过古典音乐，比如在Eli和Richie见面时，他们谈话时的背景音乐就是萨蒂的《Gymnopedie Nr.1》，用在此处，有种古典音乐独有的秩序感，与Eli其人吸毒、开车撞人等一系列行为，形成了极大的反差和戏剧张力。
当然，也有不失活泼雀跃的拉威尔的弦乐四重奏，班卓琴的使用使得本就鲜艳的画面变得更加清新而愉悦。
6 镜头
Margot出镜时正朝着镜头这边走来，将手上的烟头往画面右侧一掷，摄影机便跟着也摇了过去。
Eli从右边走来，入画后朝左看像Margot。二人走到拐角处，站定，在画面中左右对称。
而在Eli开始讲话时，摄影机逐渐朝Margot身后移去，越肩拍摄Eli说话的近景:
当Margot说话时，镜头转向Margot；Eli开始讲话时，相机又转回到Eli身上。
这个镜头，摆脱了一般对话拍摄的中景+两方特写这一固定程式，通过同一机位的摇移，使得整个画面都活了起来。只要镜头在运动，观众便能很好地跟随镜头的提示，以一种参与者的身份去聆听双方的对话，逐渐推进的镜头，也让画面更有趣味性，是在剧本以外的韦式幽默。
同样的镜头表现形式在《布达佩斯大饭店》中也能找到。在洗澡的镜头里，同一个机位也进行了大幅度的移动，从这头的房客到那头的酒店主人，让观众能感受到更强的对话感。
而Rickie在浴室里刮胡子一段镜头运用了跳切的剪辑手法，以在短时间内表现出做一件事情经过了较长时间，既表现出Richie焦躁不安的情绪，也使得叙事更加紧凑。
结语 价值观
《天才一族》传达出的核心思想一反它明丽的色调，其实是较为压抑和悲伤的。其中令人印象极深的一个情节，即Richie在得知暗恋多年的姐姐Margot情史相当丰富而内心崩溃、在浴室剃掉胡须割腕自杀时，看到冷色调的洗手台上，两只平摊的双手上几淙红色逐渐蔓延，呼吸在那一刹那一滞。韦氏试图通过高饱和度与明度的色调、秩序的构图以及严肃场合的戏谑言语传递给观众一个信息，便是在赤裸的人生真相面前，即使Margot和Richie最终还是无法明面上在一起，即使Royal死亡时只有Chas陪在身旁——即使我们无法改变许多既定事实，但至少生活留给我们了一尊鲜艳明媚的外壳，留给我们插科打诨的余地，留给我们一首在Margot走向Richie时的《These Days》。象征童年辉煌的Modecai在被尚年轻的Rickie放飞后，重又落回他的肩头。我想，这或许也预示了The Tenenbaums一家有所转机的关系吧。
是的，生活还会继续，生活常常乱作一团，但表面工夫还是得做——至少，从调高底色的饱和度与明度，将一团乱麻裹入缤纷而斑斓的糖纸，让它表面上看上去不那么糟糕开始。
-全文完-
3 ) 安德森的灵气在哪里
最近一口气看了一些风格近似“文艺”片，但看到韦斯安德森还是觉得使人眼前一亮，很是享受。想写一下为什么与其他类似的电影相比，安德森的电影使人感到灵气十足，欣喜不已。
我选择的比较对象是伍迪·艾伦（午夜巴黎，午夜巴塞罗那，解构爱情狂，摩天轮，曼哈顿），诺亚·鲍姆巴赫（弗兰西丝·哈，婚姻故事 ），理查德·林克莱特（少年时代，爱在黎明破晓前，爱在日落黄昏时，爱在午夜降临前，伯纳黛特你去了哪），还有零星的几部情感片，如伯德小姐，戏梦巴黎，壁花少年，我和厄尔以及将死的女孩。选择这些导演和电影并没有什么理论上的依据，纯粹是比起其他的电影，这些电影我都看过，且在我看来风格有一些类似。导演的风格都很鲜明，都很注重情感描绘，却都不是传统意义上的“爱情”或者“家庭”片。
我不是专业的影评人，看的电影也不多，且既脸盲又不关注娱乐新闻。唯一能支撑我把这些电影放在一起的便是这几位导演的关系看起来不算太差：伯德小姐的导演正是《弗兰西丝·哈》的主演；安德森和鲍姆巴赫也有很多次的合作；鲍姆巴赫与伍迪阿伦在中英文的影评中都经常被互相比较（都拍过纽约的犹太/知识分子故事）。如果日后我更钻研且更勤奋，也许能学会更专业的点评，但在此时此此刻，我只致力于把自己的粗浅印象写下来。
1. 鲍姆巴赫
我想先从鲍姆巴赫写起，虽然只看了他的两部电影，但他给我留下了很深的印象。鲍姆巴赫十分擅长拍感情戏和展现心理变化，可以说在很多方面他拍了我一直想拍的电影。说几个细节吧，在两部电影中，他都很擅长展示“鸡同鸭讲”，“对牛弹琴”的社交尬聊：比如弗兰西丝想跟借住的同事玩互打的游戏，但同事并不觉得这突如其来的亲昵有趣，最后忍无可忍地大喊“你有毛病吧”。又比如弗兰西丝在几个社交场合灾难性的自说自话：见好友的未婚夫时，在同事的饭局上（虽然可能是因为喝多了），在她向第一次见面的人突然说要借宿其在巴黎的小公寓时，观众能很明显看到那几个人惊愕之下交换的眼光，以及热情洋溢的皮笑肉不笑。鲍姆巴赫最优秀的地方在于他展示得如此明显，以至于许多事情不用言语描绘，就能很清晰地被感知——我们不需要主人公对白就能得知为什么弗兰西丝不告诉好友自己接电话时在巴黎，为什么她对上司撒谎，为什么她对室友一的女伴撒谎说自己是先认识的室友二。在婚姻故事中，我们也不需要过多的对白就能明白女律师的强势和社交笑容因何而来，为什么男主角不动声色地换了律师，为什么女主角的妈妈夹在中间难做…
这样的表达方式是鲍姆巴赫的强项，他像是一位充满了同情心的心理分析师，温和而冷静地向观众展示所有关系中的不堪、错位和美好；但从另一方面来看，这也成为了他的弱点：他太过于关注个体和细节，以至于故事整体的发展失去了某种平衡感和韵律感。看他的电影无疑代入感很强，但我承认我在看到一半时经常会觉得这是一部三星电影，格局太小，细节过于松散，无数的尴尬瞬间无边无际地堆在一起，这种电影对于敏感的观众来说是一种折磨：观众被迫在一个鲍姆巴赫式的鱼缸里以鱼眼观世界，看到的都是生活琐事让人不适的地方，有很多的情绪，但缺少对所处世界理性的衡量。这两部电影的救赎不全来自于鲍姆巴赫的审美：无疑的他一直有着很好的审美，他的光影、风格、选角、音乐都很不错，使这些细节不会流俗；救赎来自于他的转折点和小高潮，因为他能精确地控制好人物在戏剧事件中情感的收放，这两部电影都摆脱缺点，成为了不错的电影。
鲍姆巴赫的好几部影片在豆瓣上的评分都不是很高，如格林伯格，年轻时候，我打开看了一下，短评都提到了“散漫”，“不搭”，有空的时候也许会补一下。但我对此不意外，这种整体感的确实在他最好的两部作品中都如此明显，在其他的作品中稍不注意就会更为致命。所以可以说看他的电影使我有一些生气，就像是看到一个才华横溢且与我感观很像的学生，每次交上来的论文偏偏都有结构性的问题。当然有人会说这是一种风格——生活本来就是无序、混乱和荒谬的。但不尽然，我们会看到其他导演并没有在重视细节时牺牲这种整体感。我由衷地希望鲍姆巴赫在下一部电影中能尽力规避这一点，也许他可以继续通过任用强大的女性角色（婚姻故事与弗兰西丝都是如此）以赋予一个女性视角的主线，也许他可以更好地打磨自己的风格——目前他的艺术性许多来自于向之前电影和艺术的致意，很容易有种掉书袋的嫌疑，而缺乏自己运镜和颜色的特点——这样也许能使他的细节感更有松散的艺术性。
最后补提一句，鲍姆巴赫的弗兰西丝哈的社交独白中，关于两个人遇见彼此，在party中遥遥相望的那一段，与美剧Modern love第一季最后一集中的老年情侣在party中的互相照顾同出一辙；婚姻故事中女主角想要更多属于自己的艺术建树，厌恶艺术家丈夫膨胀的自我意识，和《爱在午夜降临时》的男女主角争吵内容类似。但他的叙述无疑总是最漫不经心且最细腻的。
2. 伍迪·艾伦
鲍姆巴赫经常与伍迪·艾伦相提并论，这不令人意外，他俩的主题确实有相似之处：大城市，人际关系，现代生活…但伍迪·艾伦比他展现出了更艺术性的细节表达，更纯熟的叙事能力和更多样的风格。更艺术性的细节表达可见他电影中往往出现的大量的幻想、隐喻和画面构造；叙事能力和整体感我很难描述，总的感觉是一部电影中往往会有很好的前后伏笔，几个小高潮有序地被安排；更多样的风格可参见摩天轮 和他曼哈顿或解构爱情狂，色彩截然不同。
但这不代表我更喜欢伍迪·艾伦。我对伍迪·艾伦的感觉很复杂，就像是对王家卫一样，毕竟是文艺片代表，说不喜欢的话显得自己像是只喜欢商业片的人，或者是自我感觉良好，已超过“这种文艺片”的装逼犯。总体来说伍迪·艾伦的电影总使我感觉有些矫揉造作，很有腔调的一再自嘲最后就变成了腔调本身，以及他电影中对女性的描写总让我觉得不大舒适。
我最喜欢伍迪·艾伦的电影应当是《午夜巴黎》，但对这部我的评价也是很reserved的，我喜欢这里面出现的人物和故事，喜欢音乐和服饰，也喜欢主角的对白。我看这部电影第一遍的时候应该是在国内或者日本，当时还对欧美有着模糊不清的天真的想象。直到第二遍在欧洲观看时，我才注意到电影是很明显的美国人在巴黎——他的好友都是在巴黎的美国人：海明威，菲茨杰拉德，听的音乐也是Cole Porter的美国爵士乐。我尊重这点上woody allen的自知—即使再喜欢巴黎，他的主角也是不大会说法语的美国知识分子。
但另一方面，《午夜巴黎》让我觉得有一些遗憾的地方是在于过于狡猾的自知。伍迪·艾伦的故事总是很花哨，有许许多多的reference和精美的细节与对白，这点很讨人喜欢，像是在脱帽邀请同样艺术性的读者进入一个满足虚荣心的世界。他更把知识分子男主角与夸夸其谈、令人讨厌的学者和庸俗肤浅的妻子放在一起，相比之下男主的笨拙与小小的虚荣心不再令人讨厌，而是有点代入感的可爱。这种处理是聪明的，曼哈顿和解构爱情狂的男主也是这样，总是喋喋不休但有着令人喜爱的自嘲感。《午夜巴黎》的结尾也是聪明顺滑的——所有的人都在留恋过去，没有一个黄金时代；男主也不再面对道德难题：未婚妻先于自己出轨了，自己可以自由自在地重新恋爱。说实话，这种感受未免太美国了：我们都在一个新世界自由开始，没有文化和历史包袱，所有对过去的留恋都是迷思。理所应当的，不会说法语的美国男主角，在巴黎遇上了一个放着美国爵士乐的法国小姑娘，后者用法国口音英文小心翼翼地对他示好，谈起了恋爱。这种结尾可能取悦和解放的都是想与过去告别的男性…
艾伦的其他影片中，女性也经常是欲望的客体。如解构爱情狂中的几位女性，各有各的疯狂和幼稚。《午夜巴塞罗那》更是如此，两女争一男的戏码来得莫名其妙。观众很难能看到与男主平等相处的女性：一部电影中，经常有崇拜男主的年轻女性，有对男主严苛的年长女性，有拜金又肤浅的女性，但很少有女性让人有平起平坐的尊重感（我还没有看过安娜霍尔，听说会有所不同）。这种感觉与鲍姆巴赫和安德森对女性的刻画完全不同：前者注重女性的内心戏，会经常给予平等的主体地位；后者偏爱高冷神秘消瘦的艺术性女性，没有那么多的肉欲。
《摩天轮》的故事应该是伍迪艾伦的这几部中与鲍姆巴赫最接近的故事，着眼于别扭压抑的家庭关系。很明显的，伍迪艾伦的着眼点不那么多是个人的感受，而是以近乎舞台剧的形式展现了家庭的群像——每个人都有一点点的怪异，一点点的压抑，金妮和米奇无疑是挑大梁的男女主角。他们用更多的独白和谎言来展现内心世界，而不是近距离的镜头对神情的捕捉。总的来说，伍迪艾伦的整体感比鲍姆巴赫好太多，但他无所不在的自嘲感使细节可爱，而不可亲。
3. 伯德小姐 vs 壁花少年，戏梦巴黎 vs 我和厄尔以及将死的女孩
在这里插入《伯德小姐》等一系列青春电影，是因为《伯德小姐》的导演是弗兰西丝的女主演，且这部电影很好的与伍迪艾伦的男性视角形成对比。
这里有一个我连续观影才得以注意的点，即弗兰西丝和伯德小姐的家都在加州的一个小镇，Sacramento。查了一下，令人不意外的是格蕾塔·葛韦格（Greta Gerwig）本人是在那里出生的。真是什么仇什么怨…弗兰西丝和伯德小姐都是从Sacramento满怀着梦想，挣扎着来到了纽约，在纽约继续挣扎着。
《伯德小姐》很细腻地捕捉了青春期女性的内心变动，在此必须先吹一波主演罗南和甜茶—没有他们就没有那么好的呈现：罗南自布鲁克林之后瘦了许多，时年二十二三岁的她演青少年毫无违和感；甜茶模仿加州口音也是惟妙惟肖，整个人的气质都能随着角色塑造（期待有他们仨人的《小妇人》）。但当然了，这部电影讲述的不是爱情故事，而是成长期的一系列故事，以逐渐贫困和破裂的家庭故事为主线，辅以伯德小姐在学校的恋情、与朋友的分与合、与天主教老师的斗争。这些感情戏被导演处置得有条不紊，有张有弛。其中，葛韦格呈现出的母女关系是最令我惊讶的有力，毫无文化隔阂，那种母亲对女儿无法停止地挑剔、关爱与保护实在是过于真实，几场冲突的台词都很有力。比如母亲一不高兴就冷战，拉不下脸说欣赏女儿，因为女儿去昂贵的纽约气得不行，但又偷偷在机场落泪。伯德小姐并不完美，一点也不酷，又虚荣又软弱还作，但又因为真实而令人喜爱。总体来说这是一部很好的挖掘美国小镇故事的电影，也有很温情细腻的视角。
格蕾塔·葛韦格似乎仍然在与鲍姆巴赫交往，不知道她的这种强有力的对女性内心的挖掘是否影响了其男友的叙事。如果是的话，真是太棒了。
《壁花少年》和《我和厄尔以及将死的女孩》有一点像是男版的《伯德小姐》的故事，也是内心戏丰富的男高中生在小城？的故事。害！猜测他们是在小城，主要是看他们申请的学校。没记错的话《壁花男孩》里女主拼死拼活申请的是Penn State, 《我和厄尔以及将死的女孩》是University of Pittsburg。这都是挺有乡土气息的美国本土故事，是小镇中产孩子想去州立旗舰校的故事。
这三部电影使人观感不错的就是都不算是爱情片，虽然壁花和厄尔都有更主要的爱情戏份，对友谊和高中生活的反思也占了很大的一部分。如果说伯德小姐的艺术性是靠内心戏的挖掘和张弛有度的拍摄手法，那么，壁花的艺术性是对各种青少年心理问题毫不避讳地探索（因为童年受侵犯+经历亲人离世而出现幻觉，因为自尊心低而滥交，药物滥用，性少数人群etc）以及巧妙运用经典音乐，厄尔的艺术性则来自于对新浪潮电影等的致敬。如果让我排序的话，我还是会排伯德小姐>壁花>厄尔。电影的艺术性还是需要置身于自身故事的深刻，音乐和电影的致敬只能是锦上添花。厄尔一篇中对于友谊线的叙述明显偏单薄。
说到对电影致敬的话，《戏梦巴黎》比《厄尔》要好得太多。无论是模仿《祖与占》的奔跑，还是运用了《四百击》的插曲，还是他们风雅的猜电影游戏，还是电影风格本身完美光影的梦幻感——最后三人叠睡的一幕堪称伊甸园，都能激发影迷的颅内高潮。
4. 理查德·林克莱特
“Before”三部曲与“Boyhood”风格一致，都是大批量的对白和生活细节。如果说林克莱特哪里与鲍姆巴赫不同的话，那便是他更有自知之明—他的电影主人公都更少，时间跨度也更短，他如此注重细节和对话，能拍出来的就是节选的两个人一天中的几小时。Boyhood便是一个很好的十几年混剪。用这种方法，他很好地回避了整体感的问题——整体就是几小时的纪录片，有什么好说的。
与诸多影迷一样，我也很喜欢before三部曲的爱情故事，特别是在欧洲不同城市行走对话的快乐。林克莱特镜头里的自然是美的，他所挑选的场景：boyhood里的小森林和火堆，before里的深夜维也纳，巴黎河畔，希腊庄园，都很美。这种美感也延续到了《伯纳黛特你去了哪》里对南极的拍摄，还有对建筑师家里装饰的捕捉。但说实话，我很意外发现《伯纳黛特你去了哪》也是林克莱特拍摄的。的确，美感还是有的，女主角的絮絮叨叨也是挺有风格的，但整体来看是商业色彩重，其实没有那么多空间给内心戏，也许这与剧本的限定有关，人物和故事多了，就无法有细致的对情感的捕捉。这样的剧本下，林克莱特的个人风格便很淡了，只能中规中矩地拍。补一句，类似风格的话《白日梦想家》景色更美。
5. 韦斯·安德森
最后终于说到韦斯·安德森。相比伍迪·艾伦，诺亚·鲍姆巴赫，理查德·林克莱特来说，我认为他是一个更优秀的导演。同样有着鲜明的个人风格，安德森有着很好的叙事能力，精巧的细节勾勒，艺术化的处理。唯一的不足也许是他的风格如此鲜明，以至于也许不大多变。
先补一句有点可爱的细节，之前已经提到不同的导演个人风格鲜明，如伍迪艾伦经常会呈现出女主角作为欲望的对象，葛韦格总会提到自己的故乡Sacramento，安德森的细节就在于他的女性角色总是面无表情严肃的高冷艺术家。
女主还是挺相似的，纤柔，端庄，有着浓重的眼妆和严肃的神情，沉默寡言，什么内心戏的讲述，基本就是高冷而可望不可及的缪斯。以及悄悄补一句，安德森镜头下的女主一般露腿比较多。<——我没有学过艺术，所以无法确定这种表达多少体现了创作者本人的喜好，但犹记得豆瓣用户 TimberNord写过一则趣事，他在学动画绘图时被老师指出他把重点放在表现女模特的第二性征上了。也许创作者难以避免的会有自己的重点吧。（包括还有《天才一族》和《月升王国》都出现了小女孩和小男孩逃走睡帐篷的故事。
安德森首先给人造成的冲击便是每一个构图，都有着规整的几何感和丰富的色彩，如上图，两人是对立坐好，且都穿棕色的衣服。而在上一帧，女主只穿外套下的蓝色衣服，与其母亲相呼应：
安德森其次处理得很好对音乐的应用。曾经有人说过安德森有着很强的欧洲审美，这一点，我觉得从配色来说是没错的。但他的主题很多时候还是非常美国化的：《月升王国》的新英格兰森林和童子军，《天才一族》的大酒店和互相诉讼。并且他的音乐应用得也很美式。《天才一族》对我冲击尤其大，因为整个soundtrack我几乎都能辨认出来。
以下记录了一些印象深刻的：
Intro: Jude
22yrs之后: String Quartet in F Major (Ravel)
Margot出场
These days (by nico)
Christmas Time is Here (Vince Guaraldi); played again in when Margot talked with dad
Richie出场
Richie and Elie: Satie: 3 Gymnopidies
when escape: fly (Nick Drake)
Stephiane says (The Velvet Underground )
影片中除了Ravel和Satie这样的法国印象派大拿，或者开头用的hey jude之外，用的基本都是美国音乐。如六七十年代活跃的地下丝绒乐队和他们的朋友妮可，当时的爵士编曲者Vince Guaraldi，很好地呈现了当时的美国社会风景。更令我开心的是安德森也用了Nick Drake 和Elliot Smith，两位我十分喜欢的音乐人的作品。
这种对音乐的巧妙引用也在《月升王国》里，教堂那一段佐以雷电和大洪水的音乐，似歌剧又似唱诗班，呼应电影开头出现的儿童剧，活生生地演出了宗教色彩，像是新一轮的诺亚方舟。
像《月升王国》里这样的诺亚方舟细节并不少见。《天才一族》中，好几次伴随着爸爸的出场，我们都会看见一只粉色老鼠，而伴随着margot的出场，总是有点伤感的流行音乐，Richie的帐篷里，还规整地摆放着小时搜集的汽车，这些充满细节的摄影给予影片延续感和完整感。安德森也总能借此在前后不紧不慢地说好一个故事——他的故事不是线性的，而是有一个一个问题和答案环组成的。在《天才一族》里，我们遇见了这几个问题：为什么爸爸破产了？为什么Richie发挥失常了？为什么Margot断了一只手指？为什么爸爸的仆人那么忠心耿耿？爸爸到底有没有病？这些问题逐渐在影片中精巧地被回答，推动剧情的发展。
如果说安德森的电影有什么差强人意的地方的话，那便是他的个人风格太强了，影片的内核有些类似，不一定适合每个人的口味。比如有人指出他的故事总感觉有些怪异，无法代入。确实，安德森镜头下的感情，并不像鲍姆巴赫的那样能打动人。看完《天才一族》，我也无法感受Richie和Margot的爱情，《月升王国》男女主的私奔也有一些莫名其妙。但被观众理解向来不是安德森想要传递的信息，他想要勾勒的是一个个童话故事—我们从不了解灰姑娘和王子如何在舞会上陷入爱河，但是舞会、玻璃鞋和华服给我们造成了足够的视觉震撼，继母、王子和被寻找的姑娘也足够戏剧化，这就已经是很好的故事了。当然了，最适合安德森发挥的故事题材也许不是家庭或者儿童，而是像《布达佩斯大饭店》那样有一定历史背景的故事，让人可以凭空再加上一层历史感带来的情绪滤镜。他对于人物的呈现其实是戏剧化的，也因此自然会有距离感。但因此历史故事便很合适，因为我们对不处于同一时代的人，总多少有一些观赏的距离感。（感觉法兰西特派应该会很好看）。
从目前来看，安德森对细节的注意，他始终灵气四溢的配色、配乐和对故事的把控，使他脱颖而出成为一位发挥稳定的几乎没有烂片的好导演。
4 ) 家庭对个人的影响
大概半个月之前看的《天才一族》，虽然电影本身是安德森一贯的稍微夸张的冷幽默风格，但是故事却让我感到很压抑。这种压抑又因为喜剧式的表现手法和故事悲剧内涵的冲突而无法得以发泄，直接把人憋出内伤。这和看周星驰电影时的感觉性质上类似。但是因为星爷电影太过无厘头，你完全可以无视那一点点严肃的剧情，把它完全当喜剧来看，等有心情的时候再去慢慢体会里面的人生道理。而安德森则是直接把血淋淋的人生摆在你面前，却不给你嚎啕大哭的机会。
其实这片子让我感触最深的不是某段剧情，而是家庭可以给一个人带来的影响。三个童年时名噪一时的孩子，最终因为家庭给各自带来的无解的难题而陷入迷茫的境地。虽然电影最后给了光明的结局，但是我们心里都清楚，破镜终究无法重圆。
家庭可以塑造一个孩子的价值观，更可以在感情上给孩子带来慰藉，或者伤害。而这种非理性的，感情的印记，往往成为未来人生重大决策的源动力。理智可以通过学习来培养，情感要怎样才能够成熟呢？根据我自己的感受，那如影随形的感情印记几乎无法克服，大概只能用一生来学习如何与之共处了吧。
5 ) 关于原谅
年轻时放纵不羁，没有责任感，对孩子对家庭对一切都是无所谓的态度，跟漠不关心一样罪大恶极的就是毫不在乎。人老了破产了没住的地了老婆被抢了自尊受到打击了，他想起家庭了，他感受到了家庭的温暖，希望获得原谅，希望融入家庭，希望自己幸福，他做这一切也还是为了自己。
经常有年轻时很混账的人年老时反倒很和蔼，他们对自己年轻时做过的事情忏悔，对自己的家庭感到抱歉，对自己的子女妻子请求原谅。因为年老时比年轻时更需要爱。
凭什么在孩子小时候需要你的时候你不在身边，现在你老了需要孩子的时候子女就要在你身边？！你哭诉着忏悔者就表示应该被接受，你怎么不见孩子的哭泣和没有体贴的孤独。为什么你没给我的爱要我给你？
这样一个混蛋值不值得原谅？他没有做什么牺牲，也没有付出多大的努力，就像以前他不负责的养孩子，现在他也一样不怎么负责的把他们追回来。
为什么对父母从来都那么宽容，为什么子女从来都那么被动，就算被抛弃掉，父母只要忏悔着希望他们回来，就能轻而易举的把他们哄回来，依旧像小孩子一样。
因为，孩子比父母更需要爱。
最后我终于理解了为什么他们可以原谅父亲，因为我们都宁可父爱晚来了20年30年，而不愿一辈子都不曾体会父爱。
6 ) 电影《天才一族》——故事性尚有不足，风格性却是独树一帜的
看着看着，总感觉这种风格似曾相识，后来一翻豆瓣，原来和《月升王国》的导演是一个人，难怪就说这种调色，就很相似。
按照我自己的看法，这部电影的故事讲述得一般，整体故事线完整，但是戏剧感还是稍显不足，故事略显平淡，主题感不强。
我倒不想像各种影评里对故事的一顿夸，反正也是我个人的看法。尤其看了导演的几部作品，其实可以纵向对比，《月升王国》的故事要好看得多，说明导演在不同时期对不同故事、不同题材的把握程度还是不同。
《天才一族》讲的是身为律师的父亲因为出轨，被家人驱逐，多年后父亲得知母亲即将拥有新伴侣，于是假装得了绝症，博取家人的同情，住回家中后，发生的一系列啼笑皆非的事情。
这部影片对于人物的塑造还是十分有特点的，母亲是一位考古方面的学者，多年来一边工作，一边照顾几个孩子，一直没有解决自己的个人问题，可以说是楷模了，（插上一嘴，一直觉得眼熟，然后突然想起来，扮演母亲的演员居然是电影《亚当斯一家》里面的妈妈，特色满满呀）。父亲是一个破产的律师，这个角色是整个故事最为出彩的角色，他童心未泯，不按照常理出牌，但也是这种性格导致他的责任心几乎为零，他因为出轨，被妻子扫地出门。
大儿子从小就精通金融，长大后，他与妻子育有两个儿子，但是一场空难，带走了他的妻子，他与两个儿子幸存了下来，但是由于这场空难，他变得极为没有安全感，一直穿着运动套装，说逃就要逃。
二女儿是领养的，是一名剧作家，十四岁时离家出走想要寻找自己的亲生父母，但是一场意外，让她失去了一根手指，后面与一个精神科医生结婚。三儿子是一个网球选手，从小就爱慕二姐，后面因为二姐结婚，精神崩溃，在赛场上惨败。
这基本上就是故事的几个人物，导演的塑造人物的风格是比较标签化的，虽然这在一定程度上可以放大人物特征，但是人物在一定程度上难免失真。例如关于二女儿这个人物的塑造，她为何被领养，与养父母的关系如何，为何会从12岁就开始吸烟，在结婚后为何又会滥交？各种疑问在电影中，只在对话中略略解答了一下，养父一直强调她的领养身份，所以她一直无法好好地融入这个家庭。
而且由于这部电影是一部群像电影，叙事空间有限，人物便显得十分扁平，很难，人物性格缺少更多的细节支撑，所以很难引发我的共鸣。
但是不得不说，这个导演能在世界上首屈一指，是有其绝活支撑的，就是导演对色彩、对场景的掌控，塑造出了一个不同于现实世界的童话世界，他的风格可以说，是非常有特色，能讲好故事的导演有很多，但是一看就知道是谁的电影，这样的导演却是不少见，所以即便故事性尚有不足，但是整个影片的风格性却是独树一帜的。
关注我，不再剧荒
被韦斯安德森惹出的眼泪，全都是粉红色的。
确实有Glass家族的影子吧，还算让人释怀的结尾也蛮像祖伊打给弗兰妮的那通电话。。我觉得导演Wes Anderson很可爱。 另外不得不说摄影和原声都很赞。
维斯安德森的片子总是充满各种迷人的细节，让人心动。这也是格温妮丝帕特洛所有片子里面我最喜欢的一个角色啦。这种怪鸡的、表达方式诡异的小感情哟~><
欣赏韦斯·安德森的电影是一种享受，仿佛翻开一本上世纪的童话绘本，匪夷所思的角色，忍俊不禁的对白和妙趣横生的故事，在极致考究的美术风格的包装下，佐以悦耳动听的旋律，所有的不快和惨痛，都被轻松幽默地化解了。
前面的节奏还好，后面就坏了。到老三自杀或自杀未遂就应该停了，后面一大段有从高峰跌回平地的感觉。线索多了导演什么的也掌握不住了，有点纷乱，各条都仿佛说完了，各人又都没有进行到位。绵绵软软的片子，挠不到痒处，触不及痛处，还行。
一贯的怪咖和赞配乐。Margot那个角色太具个性而格温妮丝帕特洛的表演却浮于表面，不够叫人信服，致使角色让人觉得很讨厌。最后那段很慌张好吗！哈哈哈~（旁白Alec Baldwin
导演风格过于强烈，以至于剧情平淡无奇
再高的智力、再成功的事业都无法填补精神的空洞，人类理应在宏大且变幻莫测的命运前保持谦逊。人生赢家亦会被心灵创伤与飞来横祸打倒，届时高歌猛进时的自高自大皆将化为尘埃，这也是为什么我们不能离开宗教、天伦之乐，以及成瘾物质等各种形式的心灵安慰。
以一种平淡多彩清新的影像和叙事，展现了家庭人际的多个面向，痛苦不再那样尖锐、理解成为可能、但较之一般的小清新又更深刻。这也许便是韦斯·安德森的长处吧。
美术还能再强点嘛？Wes Anderson是全宇宙心最细的导演
1.可能是韦斯·安德森作品中最漫溢着创伤的一部，三个孩子手上的各式疮疤便表征着时时刻刻如影随形的伤痛，而心灵上的创伤与情感上的匮乏、挫败更缠绕着特伦鲍姆一家的所有成员——破碎的家庭与消逝的童年始终是韦斯电影逃不开的母题。2.过于早熟的孩子们vs. 如同长不大的顽皮自私小男孩的父亲，亦彰显出韦斯作品中孩童与成人、天真与老熟的错位。3.这些痛苦、创伤与错位，又被鲜艳到炽烈的暖色（全片唯一冷色场景便是Richie在盥洗池边试图自杀）、层出不穷的怪咖冷幽默、机械而古板的旁白与小说式分章叙事所冲淡或间离。4.大部分镜头为（超）广角镜头，加上2.39:1宽银幕，扭曲畸变与疏离之感横生。5.不少老歌金曲配乐，大加分。6.父亲尴尬拙劣的绝症谎言及其作用令人想及[我的美国舅舅]。7.女儿造型与黄帐篷二人场景似[月升王国]预演。（8.3/10）
精心布置的场景很适合刷 ins。Chas 的孩子，Margot 的烟，Richie 的鸟，感觉有些过，好像为有趣而有趣，看久好无聊。拆开精美的包装后，发现礼物就是这个精美的包装。
这部电影让我难过了好多天。韦斯·安德森的运镜和剪辑都带着执拗，就是那种明明孤独却又不甘示弱的固执。每个人的哀伤都凝聚在眼睛周围。Margot回忆的段落惊心动魄，全都是亲吻，可就是难过得不行。生死、悲喜、智愚都不重要，他们记得的都是：我从来没有像厌恶自己一样厌恶过一个人。
我喜欢所有韦斯.安德森的怪胎电影！
友邻道这该译作做《屌丝之家》，不过我怎么觉得更像是Anti屌丝之家哈哈。我觉着这个片头（就像大卫芬奇非死不可中多少多少年后双胞胎怎么了基友怎么样了的终了旁白只不过反过来“多少多少年以前怎么怎么样”）相当非典型，开场与闭幕就算颠倒一下，结构也完全没问题。
依旧满是个人风格：放逐与新生，用安德森的方式讲一个塞林格的故事；只是，格调的小既是他的长处，或许也是他的桎梏。
C＋ / 开头惊艳之后向鸡汤一路狂奔。假如没有Wes的视听美学就和迈耶罗维茨的水平差不了多少。确实能感觉到导演掌控力上相比前作的进步，但还是不得不承认自己对美式中产家庭床边故事是越来越冷漠了。
我已经成为韦斯安德森的FAN了，OH YEAH
你有多大勇气面对过去？看看这个电影 释怀其实不难
安德森脑残粉不解释。卡司真完美...