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1 ) 如何看电影中的社工元素
这是一部有社工的文艺电影，然而刚看完的我却只是带着疑问和好奇。一边回忆刚刚在我脑海里流淌的剧情，一边问自己，这部电影的社工元素在哪？社工的位置怎么体现？社工在做什么？社工如何发挥他专业角色和秉持他的价值观？
不得不带着对这些问题的思考，把电影中令人印象深刻的美丽画面，和依然留在脑海中的情节重新筛选了一遍，越回忆越发现那些被忽略的细枝末节慢慢浮现出该有的面貌。
首先不难记起的是这个词第一次出现在人物对话时，我看到了那个梳着满头小辫肤色黝黑的魁梧汉子，心中诧异了一下，默想应该弄错了，怎么会是这个人？肯定是镜头晃过去了，我没看到，我对自己这么说。紧接着后面是另一个场景——小女主所在的学校与社工所在的机构之间举行了一个捐赠仪式。镜头下几百名学生整整齐齐地站在大操场上，听拿着喇叭的校长/主任一本正经地讲着场面上的话。南方的阳光很充足，而我也恍惚回到十几年前求学时站在太阳底下的场景，也是这么被训话，而内心也没有涌现太多感激之情，脑子里想着的只是老师喜不喜欢我的课堂表现，成绩要怎么提高这些问题。对于感谢和感恩，不懂，金钱上不懂，感情上更不屑于懂，与屏幕上的他们是极为相似的。所以我特别能理解这些受助的"留守儿童"，无奈被安排在操场，对于庄重的仪式会感到无聊，远不如与身边的小伙伴聊天甚至互相谩骂差点引起冲突有趣！下一个镜头中的他们，抱着受赠的礼物坐在车上回答母亲的问话依然漫不经心，他们对“留守儿童”这个概念是模糊而不自知的，也不在意，倒是那个在外闯荡已久的母亲被这个词"蛰"了一下，唯有沉默应对！
再然后我就明确意识到黑而壮实的汉子正是村子里唯一的社工时，也是“一个人”时，他出现的每一个镜头都得到了我特别的关注，比如他计划邀请外出务工回来的女主为寨子做点什么？这次聊天很短也没结论，更遗憾的是这个提法直到后文也没给解答，不禁怀疑是我忽略了还是有一条暗线代替？他面对生病的女孩，当寨子里的长辈提出的治病方案是祭拜山神时，他建议去医院，三次陈述，却无人回应，同行的同龄人选择沉默来服从长辈，而他的坚持显得有些无力，最后依然向传统妥协。最后，他和村民一起去祭拜山神，算是用实际行动对原生环境的传统表示了尊重和认同，他帮忙安排祈福的牛、车及一切物资，成为其中的一员，照顾需要寻求救赎的村民，来到众人心目中的圣地。当不可避免的现代化阻断了他们的前行之路，他用一句话稀释了村民心中的疑惑：只要心里有佛在哪跳舞都是一样的，佛能够看见。他的行动配合着话语，也得到了逐一的回应，大家一起随着击鼓声跳起了舞，热闹和虔诚的气氛在幽深的洞穴中回荡，想必山神也感应到了。
到此，社工在电影里的主线就算叙述完了，然而好像并不完整，幸运的是我终于想起了那个失落的环节，原来是在开场。在狂风到来前的村民文艺晚会上，那个控制键盘坚持要村民进行传统舞蹈表演的“艺术男”也还是他啊。那时的他带着一种很奇怪的执着，与周围似乎格格不入，当我把这个环节串联起来，感觉终于串起了一个社工在介入工作中需要考虑的和应该采取的行动。
如果影片中的这个社工是设定为新来驻村的角色，他首先选取的落脚点是丰富居民文化生活，发挥居民特长，开办文艺活动，从村子发展及可能的未来——发展旅游说，这是需要做的事情，但显然不是最主要的，而且只是他“想当然”认为居民需要展示的舞台，需要从农活和带娃的劳累中解脱，所以不自觉带着为他们好替他们着想的态度去办事，甚至无视自然环境（天气）和居民真实意见也要坚持；随着对村子的熟悉，他发现了大量留守儿童这个问题，于是动员机构资源策划了捐赠，以表示对这些孩子的关心和关爱，他看到了现象但是依然没有触及问题本质，并没有看到孩子真正需要什么。明显地当我们从女主视角去看时，就知道这些孩子缺少的不是物质而是爱和陪伴以及理解，所以我们看到那个场景也很难被感动，对于孩子漫不经心的反馈非常能够理解；在这之后社工说了一句看似漫不经心的话“社工也是人”像控诉也像认定，或许他反思了自己想做的和已经做的似乎没太多意义，很无奈但又得坚持，于是继续转变，想把村子本身见过“世面”和能干的村民鼓动起来一起做事，所以有了邀请女主一起想办法的提议。紧随其后有些看似与他无关的各种场景：长者开会、请神拜佛等，但都有了他的身影，看似毫无存在感，可是这正是了解的过程，通过参与和观察，再尝试着提出建议。在一个社工的眼里，这个社工的任务无论是把个体的小女主还是整体的村子作为一个介入对象，得明白改变他们是困难的，也是缓慢的，能做的是与他们保持相同的节奏，是用耐心去理解她们的思维模式。认清这一现实后，正确的介入途径才得以顺利开始，即使是有益的尝试和建议会遭到不理解和拒绝，可也要坚持，因为生命是第一原则，至于结果变成悲剧，是对所有人的道德谴责，而说到底这是传统与现代、愚昧与文明之间难以避免的挫折，社工凭一己之力很难扭转，更像是在最后被接纳前的一个更为严肃的考验，对价值观对自己的角色……
还好社工依然在坚持，最后一幕村民在献舞祭拜山神时，终于接纳了他的引导，可以认为他与案主建立关系阶段终于完成了。
最后，关于社工元素在这部电影的体现，原先我也以为只是一个噱头，可是这仅仅只是一个表面视角，不是吗？因为我们对于乡村特色、民俗传统、诗意和远方、留守儿童困境、古老的和现代化的这些概念更为敏感而容易被触动，而原本影片许多刹那闪过的镜就很难给人留下印象，尤其还是一个大众陌生的角色，它的存在几乎得不到观众重视，那对这个角色的的存在理由和在剧情中的走向逻辑不去思考就很能理解了。观影结束的我尚且如此认为，那么对于他人的忽视就更能接受了。不过庆幸自己受过“专业”训练，终于能够从社工角度去理解这部电影，也看出了社工元素在其中表现，它不比其他元素更重要，也没有更不重要。正如一千个人有一千个哈姆雷特，一部电影也自然有千种解读，每个人能去看到自己想看的，愿意看的，可能有些也许是创作人员准备好的，而有些只是我们的常识和必然的生活反思，不就够了吗？
最后的最后，撇开社工这个元素，影片的配乐和画面也深得我心，美而动听，似乎有必要从这个角度再写一篇……
2 ) 鹏飞及其先驱者：苏雷曼、北野武和是枝裕和
每一位作家创造了他自己的先驱者。——博尔赫斯《卡夫卡及其先驱者》 1952
在看过第二遍后，我仍然惊叹于《米花之味》的神奇，它所赋予的奇妙体验完全从留守儿童的民族志影像中超脱出来。这是华语电影中从未有过的一种风格：在日常生活的贫瘠表象下潜藏着富足的幽默与俏皮，其可爱的盎然趣味令人不断回味。在鹏飞的这部作品中，我们能发现他如何放弃掉处女作中从蔡明亮身上接受的滋养，并发展出一种“反现实”的影像风格：表现在过度明亮的摄影、戏剧点的铺陈和自然化的表演三者相互违抗获得的奇妙效果。
我们找到了导演鹏飞的“先驱者”：首先是那位不太为人所知的巴勒斯坦导演伊利亚·苏雷曼，擅长于营造一种基顿式的冷幽默，并不时表现出雅克·塔蒂电影中的“童趣”；然后是日本导演北野武，总是在让人一阵摸不着头脑的镜头剪辑后突然给予你一个用特写来突显的回答，让人会心一笑；最后很可能是是枝裕和（在访谈中，鹏飞多次提及），他电影中的演员如同在日常生活中表现的自然感或许给了鹏飞一种策略，来抗拒苏雷曼与北野武电影中不甚自然的僵化风格。
《米花之味》虽然铺设了一条明显的叙事线索：外出务工的母亲回家后遭遇到各种问题，最后与留守的女儿相互和解；但电影反常地放弃了这个可以生发出一种普世价值观的戏剧套路，转而开发一个个幽默的戏剧点。这自然是高妙的手法，一反常态，成功瓦解了叙事咬合精密的惯常逻辑。在苏雷曼的《神的介入》（2002）中，便是由相似的手法完成：整部电影描述了一组生活在以色列军队占领区的巴勒斯坦人的日常幽默插曲，但没有完整故事和叙事动机。
这种依靠一个个幽默点的铺陈方式自然与稀疏平泛的日常生活相违背，苏雷曼丝毫不介意电影是在现实之上的重新建构，因而《神的介入》中出现了许多超现实的画面，表演也完全以僵化的方式展现。对于鹏飞，僵化是他必须面对的难题：如何缓和剧情上的刻意设计，又能获得自然的效果。他找到的对策也许是从是枝裕和的电影借鉴，让演员像在日常生活中那样表演，从而获知一种温情，而不是像苏雷曼或北野武电影中表面冷酷的幽默。
或许可以说，伊利亚·苏雷曼与是枝裕和这两位导演的结合，让鹏飞的《米花之味》获得了北野武电影中的影像效果：冷酷又不失温情，戏谑又不乏细腻。而北野武正是鹏飞心目中最为挚爱的导演，他不仅将自己所有社交媒体中的头像都换成北野武，还不乏幽默地把微博的昵称改为“北野鹏”。在此，鹏飞将自己安置在了由基顿、塔蒂、苏雷曼……等导演组成的冷面喜剧谱系上，并将其改造为一条走向现实的“反现实之路”，来表现那些最为困顿、难解的生活难题。
《米花之味》的出现，自然是今年华语电影最重要的一件事情，它给予了那些仍在不自觉地用影像写实的方式探测现实深度的惯常套路当头一棒。就像鹏飞自己在映后交流中说的，他的内心“还是个孩子”。82年出生的他，现在看来仍像20刚出头。一个凭其天性拍电影的导演，我们能在他的电影中发现这种天性。每当我们被他在电影中设计的幽默弄得哈哈大笑之时，就能感觉到背后那颗年轻又有趣的心灵。让我们期待他以后的作品吧。
3 ) 这部年度国产佳片马上下映，可惜你连名字都没听过
文章首发于微信公众号 真故电影（ID：zhengudianying）
对影迷来说，世界上最遥远的距离是什么？
真故君觉得，是一部好电影都快下映了，而很多人却连它的名字都没听过！
为什么会这样？
因为首日排片只有0.7%，接下来的几天更是低到0.3%。
低得惨不忍睹。
上一个排片如此惨淡的好片，能想起来的只有2016年的《塔洛》了。
《米花之味》，上映5天，2700多人给出的豆瓣评分是7.6，上座率远高于同一天上映的几部国产片。
上映前，这部片子就获得了第74届威尼斯电影节“威尼斯日”单元“特别提及”，第1届平遥国际电影展中国新生代单元中，被评选为最受欢迎影片。
真故君看后敢说，2018年华语片十佳里，会有一个位置属于它。
先来感受下富有春天气息的海报。
海报风格清新、明艳、充满日系暖色调，看得出来，这是一个关于母女的故事。
单身妈妈叶喃（英泽饰）辞掉上海的工作，回到云南沧源傣族村寨的家中。村寨静谧，等她的是她的父亲和女儿，以及表面上没什么变化的少数民族生活方式。
归乡的叶喃上山拜佛，好像没什么不适应。
唯一让她感到头疼的，是刚上初中的女儿喃杭（叶不勒饰）。
和很多留守儿童一样，女儿见了母亲，没有多少亲近，反而疏远，甚至有点抗拒。
晚上藏在被窝里不出来，对母亲说：“还是听声音好些。”
等夜深了，又去偷偷拿母亲从城里带来的零食，甚至拿去学校。
总之，孩子和母亲是拒绝沟通的，没什么话可讲。
比这更让叶喃生气的是，女儿在学校变成了不折不扣的问题少女。
沉迷手机游戏，下课整蛊老师，和男生打架，整夜不回家去网吧，甚至发展到偷寺庙里的钱。
喃杭的同学喃湘露也是如此。
两个小孩之间的一段对话让人戳心。
卧病在床的喃湘露对喃杭说：“以前我生个小病，她们（父母）都不回来看我，现在好了，我生了大病，看她们回不回。”
因为父母的缺席，留守儿童潜意识里觉得，只有做些出格的事情才能获得父母的关注，因此愈发顽劣。喃杭同样如此。
而作为父母，叶喃找到深夜在网吧打游戏的女儿，静静俯下身子看了眼，然后去买了包云烟和打火机，独自在外面的车里睡了一晚。
电影中，母亲没有激烈地上前打骂和训斥，只是大片大片的沉默，或许是因为愧疚，或许是受过城市文明的影响。孩子因为偷窃被警察带走，她失望之余，想一走了之，开车在机场徘徊，最终又选择了回家。
二
如果你以为这部电影只是在讲母女关系，那就错了。
玩手游、泡网吧、去寺庙蹭WiFi，在少数民族边远地区，留守儿童“沾染”上现代文明带来的毛病，古老的传统正在面临瓦解。
比如山神上身的婆婆对电灯的排斥，比如“今日休息”的景区规定，比如景区上空的飞机，比如山洞里水滴在易拉罐上发出的“野人”声音，还比如寨子里人背后议论叶喃“不知道在城里做着什么不干净行当”。
小到一对母女的情感，大到传统的价值观和生活方式，都在发生着细微变化，就像代表传统信仰的婆婆说，“你们这个米酒米花都不好吃，味道怪怪的，变味了。”
“变味了”正是这部电影要表达的核心。
接下来，她还说了句意味深长的话：“这些年你们在这里做了什么，别以为我不知道。”
做了什么呢，男人们商议发展旅游业抢第一波游客，为病中的孩子筹到捐款后，讨论如何瓜分，这些成为村寨传统价值观崩坏的证据。
母女感情的疏离，传统和现代的变迁，都让传统生活的味道变得“不一样”了。这正是片名《米花之味》的含义。
但另一方面，这部现实题材的电影又有点不一样。
电影画面清新，不悲也不苦，还不时抖落一些小机灵，逗人发笑。绕过宗教信仰、城乡发展、留守儿童这些宏大命题，你感觉不到导演有什么价值判断。
比如一群孩子在寺庙蹭WiFi，叶喃断了电，说佛祖要睡了。
比如，乡亲们大谈如何发展旅游业，叶喃却瞥到地上的鸡爪和大叔蜷曲的脚趾。
比如，母亲火急火燎赶去医院，误把缠着绷带的伤者当成了女儿。
再比如，祭祀场所关门，身材臃肿、挤不进去栅栏的阿姨。
三
谁说现实题材的电影都得苦大仇深？
谁说留守儿童非得被呈现得可怜兮兮？
片中的留守儿童不是你想象中那样刻苦学习、郁郁寡欢。相反，她们也会“贿赂”老师，会钻父母和爷爷的空子，也知道自己是“留守儿童”。
相比城市里上各种补习班的同龄人，他们展现出了更多作为孩子的天性。
压抑和悲情，往往来源于外界对留守儿童的傲慢审视，甚至“留守儿童”的标签也源自他者视角。
其实，他们有什么不同呢，当他们唱“小小少年很少烦恼”的时候，当叶喃责备女儿不读书去城里连清洁工都做不了时，爷爷说：“谁说非要去城里”。
真是漂亮的回击。
相比《起跑线》里焦虑的中产阶级父母，很难说，自然主义就等同于落后。
这让真故君想起同事马拉拉，当我们在谈论“留守儿童”这个问题时，她惊讶地说：“为什么留守儿童被说得这么惨，我小时候就很快乐啊”。
感慨之余，她写了一篇自己的故事《有两对父母的女孩儿》，发在真实故事计划，很多人看了很有共鸣，有兴趣的可以去搜下。
当然，作为一大社会问题的留守儿童现象，仍旧很严峻。但简单以悲情视角去呈现，显然不够立体。
更重要的是，电影并不负责提供解决之道，把现实横切给你看，就够了。
《米花之味》的导演就没有在“留守儿童”这个社会议题上做文章，没有让母女俩的矛盾持续升温，进而在某个时间爆发，反而一直在舒缓矛盾。
这倒很符合西南自然环境和傣族妇女给人的感觉，内向、柔和、矜持、拘谨，很少有激烈情绪。
为拍这部电影，导演鹏飞去云南沧源采风，融入当地人的生活，一待就是一年。
这种收敛的表达欲让人很舒服，就像米花一样，清脆，还有点甜。
结尾，母女俩抚摸亿年前形成的石壁，不说话，靠眼神交流，紧接着在溶洞里跳起舞来，身影绰绰，落在石壁上，像是飞天壁画。
柏拉图曾用“洞穴之喻”说明世界的本质和人对世界的认识，而导演仿佛在说，无论现代社会人与人感情的疏离，还是传统民俗和现代文明的对峙，放置于浩渺宇宙，终究能达谅解。
文章首发自我的微信公众号真故电影 微信号：zhengudianying关注真故电影，每天一个电影背后真实的故事。
我的主业是挖掘电影背后的真实故事，关注真故电影每天一则经典电影背后的真实彩蛋。
4 ) 再谈《米花之味》：中国新电影的开始
中国文化底色中的“惨”，注定它无法诞生出真正“悲”的东西。
我们也不必强求将“悲”硬性移植进我们的文化基因。
只是对于“惨”的卖弄实在可以停下手来，去发现日常生活真正有意思的地方。
在“悲”与“惨”之外，日本电影给我们带来了第三条路。
那就是以审美的方式关照生活，在日常生活中发现诗意。
这是“消极抵抗”的姿态，而不是在“惨”中沉沦到妥协和接受。
生活是同一的，但看待生活的视角发生了转变。
这是为何我们要热烈拥护《米花之味》这部电影的原因。
中国电影诞生百余年，很少有电影真正做到在呈现困顿生活时彻底脱离“惨”。
滇缅边境的少数民族寨子，落后的乡村场景，离异家庭，留守儿童，青春期少女的叛逆……
所有一切都符合传统农村题材电影的定位：困苦、矛盾、普通人的挣扎。
但鹏飞丝毫没有去表现“惨”的一面，而是真正发现了日常生活美丽与可爱之处。
过往的电影一拍到农村，便表现出苦大仇深的姿态，除了文化基因中的“惨”作祟外，也出于刻板印象。
农村与城市，传统与现代的二元对立，束缚了创作者的思维。
而鹏飞在对农村生活长达一年的体验后，发现了事情并非人们想象的那么不堪。
即便生活贫困，家庭破裂，成长有烦恼……孩子们依然有自己的玩乐世界，生活依然有喜乐。
绝非千篇一律的“惨”，一切丰富的生活滋味最后在电影里得到了呈现。
《米花之味》如此轻盈、优美、俏皮和可爱，彻底抹除了大众对中国农村题材电影“惨”的印象。
这是从日本电影中获得的滋养，鹏飞毫不掩饰地表达着对日本导演（北野武、是枝裕和、石井克人……）的热爱。
因此，在“悲”与“惨”之外，是中国电影人学习日本电影的时候了。
转变观念，从传统文化和惯性思维的束缚中解放出来。
现在的年轻人深受日本文化和生活方式的影响。如果电影人不紧跟步伐，通过电影反映人们观念上的转变，反而继续践行祖宗留下的糟粕传统，无疑不合时宜。
这是为何我认为“中国新电影将从《米花之味》开始”的原因，因为这是一次影像领域的观念变革。
5 ) 《米花之味》中的日式元素（4）：原创音乐
正如大家感觉到的，《米花之味》的音乐非常具有云南当地的本土特色，但又透散着一股自然清新的日式气息。电影的配乐师不是别人，正是日本演员、歌手及音乐家铃木庆一。铃木庆一早年在岩井俊二的电影中当演员，《情书》《梦旅人》《燕尾蝶》中都出现过他的身影。后来他开始和北野武一起合作，《座头市》《极恶非道》《极恶非道2》《龙三和他的七人党》等作品中的配乐都出自他的手，还有金敏《东京教父》中的原创音乐也是他创作的。
鹏飞导演正是看了北野武的《座头市》，觉得电影里的音乐特别有趣，比如“鞋走在泥巴里的噼里啪啦的声音，还有锄头的声音”……才想着能不能找他来为《米花之味》配乐。结果一拍即合，铃木庆一专程来了趟云南，体验当地生活后才开始给《米花之味》做音乐。因此一位日本配乐师做出来的音乐带着一些日式味道也就不必奇怪了。
听说，铃木庆一为了给《米花之味》做配乐，在云南当地特别“体验空气的湿度、温度和颜色”，感受云南当地各类乐曲的发声方式和傣族民族音乐的特点，最后结合《米花之味》的镜头才最终写出了配乐。而且配乐中使用的乐器发出的声音都在模拟当地的乐器，难怪保留了那么浓厚的云南当地的本土特色呢。
因为我对音乐了解不多，故而无法从更深层的句法、语言等角度分析《米花之味》中的配乐在云南本土文化和日本异国文化之间生出的奇妙结合。但因为音乐作为共通的触动情绪的语言，我想大家都能直观感觉到电影中的配乐既有浓厚云南本土特色，同时也带着独特的日式味道。这是我们在《米花之味》这部电影中找到的第四处日式元素。
6 ) 《米花之味》中的日式元素（3）：片头“字幕”
早期的电影一般都将演职人员名单的字幕放在开头，而不是像现在的电影那样将其留到了最后。现在，大家有种意识呼吁观看一部电影一定要等最后的字幕走完，算是对电影的尊重。原因正在于此，因为现代电影关于影片各类制作的信息都被独立加到了片尾字幕中。早期的观众没有看完电影还不能走的担扰，那时的导演似乎早就知道观众的“不耐烦”，于是将字幕放在电影的开头。先让观众在成片前看完演职人员的字幕条，“以防”他们看完电影后再看长长的字幕会感到不耐烦。
因此，当我们看到《米花之味》反常地在片头打出演职人员和幕后主要工作人员的字幕条时，能感觉出这是一种回归传统的做法，其实回到了早期电影结构的模式。当然，也有了一些变化。比如早期电影都是首先在片头打完字幕，然后才放正片。《米花之味》更加有趣的是，先给观众一组归来的母亲和卖鸡蛋小女孩间的正反打对话镜头，然后才是“冗长”的工作人员的字幕条，最后才是一个正片。
但这都是其次，我们想讨论的是《米花之味》出片头字幕的方式与日本电影有什么关系。可能还得回到小津安二郎的电影中寻找答案，既然小津被认为是最具日式风格的导演，那么以他的电影为比对的标杆总是不会错的吧。小津的电影出片头字幕的方式独树一帜，似乎已经形成为某种风格。一讲大家经都很熟悉，这里不妨再啰嗦几句。小津电影的片头字幕一般都是以织物为底，在上面显出用书法写的中文字体。
《米花之味》出片头字幕的方式与此既相似又有些区别。相似的地方首先在于字同样是用书法写的，而不是电脑的字体；其次是排版方式，《米花之味》重新使用了老式的从右到左的竖排，而不是中国当下已约定俗成的从左到右的西式排版；最后则是配乐，小津的电影出片头字幕的同时总是伴随着音乐，《米花之味》同样如此。
不同的地方也是非常明显的。首先是字体颜色，小津电影中字幕的字体一般是白色，为了从暗沉的背景中凸显出来，《米花之味》则用了黑色，是用书法直接写下的字。这也很可能说明小津电影中的字体并不是书法直接创造的，而是借助了其他方式，在此不表。其次是字幕的背景，小津喜欢用具有日式特色的麻布当作字幕的背景，而鹏飞在《米花之味》中用的是云南当地的自然风景，而且用了一个从右摇向左的微移镜头。
如果这都说明不了问题，或者说单举出小津的电影意义不大，那么我们还能在其他日本导演的电影中找到相似的处理片头字幕的方法。另一位日本导演沟口健二被认为是与小津安二郎一样具有深厚日本文化底蕴的导演，他的电影中出片头字幕的方式与小津相似，但他喜欢用绘有图案布做背景。
下面第一个例子是沟口健二最知名的杰作《雨月物语》，字幕后用的背景是一块绘有艳丽花纹的布匹，而下一张图则来自于《残菊物语》，同样是一块有花纹的布，但不同的是《残菊物语》中出字幕方式是像中国卷轴展开那样从右徐徐向左展开的，而不是像幻灯片一样一张张播放的。
比较《残菊物语》和《米花之味》是非常有趣的。《残菊物语》中摄影机镜头不断向左与背景的花布平行移动，字幕如同写在布上，两者是一体的。或者也可以说，摄影机不懂，是下面的背景之布在往右匀速拉动。这两者效果是一样的。《米花之味》中运动的是摄影机，于是自然风光的背景也跟随移动了，字幕是后来在运动画面上打上去的。虽然两部电影制作字幕的方式不同，但产生了一些让人感觉相似的奇妙效果。
片头字幕是我们找到的第三处《米花之味》中的日式元素。
中国新电影将从《米花之味》开始。
明快的配乐、亮丽的色彩，用梦幻欢乐的基调去剖开中国的一处社会切面——无论是留守儿童现状，还是现代与传统、城市与农村的冲突与交融，都散落在鹏飞洋溢着灵动俏皮的情境氛围中，在有趣的细节和和散漫的关怀里，被轻盈地勾勒了出来。
清新、克制、简洁，关注农村“留守儿童”，却未做太多苦情、煽情的渲染，更多是对母女隔膜、感情疏离的日常生活侧写，在云南临沧中缅边境沧源县郁郁葱葱的初夏氛围里，民俗、宗教、教育各行其道，哪怕疾病死亡都不那么让人伤悲，只是那些早熟缺爱的孩子，纯净眼神里流露出无所谓的迷茫，让人有些揪心。
今年的标杆，红斑狼疮的小女孩如果能在病情恶化的过程中把魂魄逐渐转移给小女主人公，在结尾溶洞完成最后的和解，这样她的性格突然成熟也会显得更合理。导演在蔡明亮的背影下拍北野武式幽默，尴尬却不失风采。
开始有点难以进入状态，轻松简单的淡淡的旁观，很多事情不用说得太清楚，详略处理得好，有灵气，配乐和音效超级棒。p.s 还蛮喜欢这个小镇的，和导演说话的感觉就像在和这个舒服的地方聊天。
她能接受她物质上的馈赠，她却很难走入她的内心世界，她躲在被窝里说，“还是听声音好了”，那时候，她们成了最熟悉陌生人。电影聚焦于城市与乡村，现代与传统以及两代人的隔阂这一现实生活，加以抖机灵般的情节让故事变得有趣不少，最后母女两人的舞蹈代表着和解。味道也和记忆一般，在后来慢慢变迁了
新时代的民族电影。通过从城市返乡的单身母亲回到留守儿童身边，表达现代社会正在慢慢深入少数民族的主题，母女关系成为这两种环境之间的尴尬写照。编导并没有特意表达他们的表象，而是含蓄地通过生活细节来达到想要表达的主题，结尾回归原始的舞蹈更是点睛之笔。
通往石佛的栏杆，长得瘦才能进来；进入神庙的石阶，脱了鞋才能上来；供奉神明的溶洞，交了钱才能入内。而一个久别的村寨，需要怎样的条件才可归来？女儿说她离了婚就冲自己撒气，邻居说她挣了不干净的钱，大城市里没有她的一席之地，回到故乡竟也是闯入者。这份游离飘荡，如变味的米花，都是寂寞滋味。
运营团队窃了整个宣发模式？
一流配乐，二流故事，三流摄影，四流表演，五流剧本。表现边疆景物很有质感，表现宗教生活虽然只是泛泛，但现在已属难得，居然还拍了山神上身。女主和女儿的云南话说得半文半白，很别扭，说得最生活化的的老爸和老婆婆一听就不是本地人。画面色彩饱和过分，镜头只有夜探女儿和佛寺寻女两场有点味道。
大人在经历，小孩在观察，以家之贫土为基础，瞥见外来者对原住民的思维侵略，构建出一个文化碰撞所产生的畸形国度，只是最终谣言四起的个体争斗被一场没有悲伤的死亡接替，野人的怒吼也不过罐头的哭泣。镜头总是对准英泽饰演的母亲一角，以其部分肢体来与去的舞动瓦解每个配角，带出个体创造的无限可能
被片头迷住足足5分钟。难得一部有故事（留守儿童、民族与宗教、女性生存…）又有美感（云南风光、少数民族风情）的原生态电影，只是画面感稍显不够精致。
蛮惊喜的一部电影。导演在云南的小寨子里住了一年创作剧本，电影也还原了本土的这份原汁原味。打工归来的母亲和留守在家的女儿，从疏离到亲密，情感的变化细腻而温柔。见到了主创，女主妹子特可爱，喜欢！
导演还挺聪明了，提了很多诸如宗教、信仰、留守儿童和性别歧视等各种点，但他只选择了生活的横切面，做了一个立体的展示，不批判什么，不抨击什么，也不展开母女之间矛盾的主线，最后只是用血浓于水，用一场舞蹈结束了一切。不过导演对待留守儿童问题的态度，对很多人来说，是一个具有争议的事情。
看前只听说导演体验了生活；看时觉得导演可能只接触了留守儿童的生活，外出回家的母亲一面还是纯靠自己“感悟”；看完交流，导演聊儿童的东西很顺，母亲的心理就明显卡壳。还是比较纠结这种体验式编剧的“不完整”，但整体剧本挺“讲究”的。配乐和电影营造出的空间感很棒。
对个体的刻画呈聚焦状，对群像的描述呈发散状，素材的组合略显刻意。一切问题既是无解的，也是迎刃而解的。
无论表现边陲少数民族之地，还是所谓留守儿童议题，影片都显得云淡风轻，心不在焉。被稀释淡化过的野心，令画面与节奏耳目一新。面对结尾的上古洞穴和壁画暗影，影迷总是热衷于按图索骥，认为导演偷师现学了谁谁谁，却从没有想过，这是不是在中国电影的疆域里，挖掘出一道全新的，打通地下的光亮路径
城市与乡村的隔阂，现代与守旧的对立，科技与传统的冲突…尽在《那山、那女、那洞》。
自然，狡黠，沁心，观察力超凡。姿态不妥协也不激进，心境不恋旧也不崇新，所谓矛盾，就像溶洞里一个易拉罐让水滴发出不一样的声音，真是个令人惊喜的比喻。
讲的内容有点多，在叙事上就显得零散了，但还是能首尾呼应。写实风格的拍摄，也使得人物情感略缺乏镜头张力。这种性质的电影，很多时候都是记录了某些变化中的地区历史，也是拍一部少一部。