我心狂野1990

首先说视听体验，片中几个角色的南方口音特别是Laura Dern的，以及配乐尤其是在new orleans的那几段和Nicolas Cage结尾的一曲love me tender，对我就已值回票价。
除此之外，我把除了情侣主角之外所有的角色理解为他俩不同自我的投影——浓妆艳抹的女主角母亲，她的老情人们，几个杀手，公路边将死的人，德州牛仔。。。正是这些内心中不同的“我”的冲突构成了故事的戏剧性——这是他很多作品的基石。但最有意思的是，和很多导演不一样，林奇在表达这些冲突的时候，不会用比如：脑中回响的两个或者多个声音，也不会设置一个镜像人物等等。他的方法是，运用具体的人物或者道具——比如本片女主角的母亲。这种运用的结果是使得戏剧冲突具有双重属性——既是显性的，又是隐形的。真实在于她确实有这么一个母亲，她确实可以去雇佣那些杀手，从而发展出一系列的冲突，而虚无则在于，这个母亲其实只是“我”的一个投影，所以她所有的行为，打电话劝女主角回来，和老情人诉衷肠等等，都是“我”和“我”的挣扎而已，所以在片尾“她”在相框中消失了。再比如，片中频频闪过对水晶球的窥视，在显性层面，显而易见来源于女主角频频提到的女巫故事，而在隐性层面上，这个窥视水晶球的正是他们自己——”我“。可能正因为这个特点，造成了理解林奇某些作品的困难——妻子和我一起看完这片子后说一句“what the hell happened?" XD
至于片子到底要说什么，我认为很简单——爱情。所有那些不同的“我”的冲突便是面对爱的踌躇和挣扎，正如最后小仙女对男主角说的那样，心中真正的狂野就是去追逐梦想，不要害怕——
——"don't turn away from love"
最后再提一下，Laura Dern在片中以高挑的身材，极白的皮肤，金发再配上抹得极浓的正红嘴唇出镜，一如17年后的《内陆帝国》。由此可见林奇对于女性审美偏好的坚持，幸运的是，我正好这口。

大衛林區可以拍相對精緻的好萊塢作品，但這部片顯然在其中又調整的更粗糙、怪異和B級風味，大量暴力和性愛，以及荒謬詭異的情節，講的卻是男女主角狂放的浪漫情愛。對性的偏執與恐懼是在前作就不斷出現的母題。在瘋狂的世界和人心之中，能救贖一切的唯有愛和貓王的歌曲。

這是尼古拉斯凱吉還是獨立電影當家小生的時代，只是過了這麼多年再回頭來看當年他的表演，深深覺得一個人的形像破滅後就再也回不去了，即使在大衛林區的片子裏他還是顯得這麼蠢。但這也許這就是導演想要的誇張五零年代的風格。

有时，我心比林奇狂野

柏邦妮

喜欢林奇是一个私人原因。因为他和我同一天生日。我们同样处在魔羯和水瓶的交界，处在神秘幻想的边缘。星象书上这样为我们定义：能量强大，极有魅力，一定要给心灵留空幻想空间，在短暂的时间内能惊人的专注，即便散发着巨大的能量仍旧拥有平实的外形，迷思，狂狷，时有爆发力。

听起来，这很像在描述林奇的电影。

顺便说一句，同一天出生的还有费里尼，爱伦坡。我把他们三个当作我的兄弟。

林奇的名字据说含义是私刑处死。而在西方，人们也专门为他创作了一个词：林奇主义。林奇影响了一大批了不起的电影作者，但是同时，他不在那些庸俗的诸如“影响了世界的一百部电影”“最有实力的一百个导演”“人生不得不看的电影”的行列。他的电影，就像一个个甜蜜而肮脏的小秘密，看过的人容易沉溺。看得懂的人们带着秘而不宣的微笑，组成了黑暗联盟。

我时常幻想林奇的观众：应该是十几二十岁的孩子，指甲咬得锯齿般参差不齐，戴着厚厚的眼睛和牙套，在无聊的街头音像店之间晃来晃去。他们已经看腻了所有好莱坞的套路，他们不受待见但是智力超群。他们在神秘的角落里发现了一份礼物：一个叫做林奇的家伙。

他的电影极端黑暗，极端光明，幽默，恐怖，华丽阴郁。血腥，暴力，色情，动荡分裂。色彩浓烈。诡秘，悬疑，复古，舞蹈宛如死亡颤栗。他们感到兴奋，一份智力测试题就在眼前，电影开始的第一秒钟你就明白，此后的每一秒都不能懈怠。被林奇愚弄，或者战胜林奇？那些精神或者身体有病的人，那些坏人，梦，公路，幕后的黑手和女歌手，舞台，性爱，死亡，幻象??那些噪音，那些变形的摇滚，那些梦幻般的女声，呓语和咒语??林奇的电影，就像《穆赫兰道》中的那只蓝盒子，一旦打开，就不能关闭，虽然你知道，无法预期的真实的恐怖就要来临。有人说，希区柯克的恐怖就像白日做梦，包装精美，故事流畅，受过惊吓之后只要认真拆解，总能找到他玩把戏的程序。而大卫林奇的恐怖就像午夜噩梦，完全没有规律，无迹可寻。即便你已经谙熟了所有元素，但是林奇仍旧能在暗夜里袭击你，并且从此成为你无法摆脱的梦境。

据说林奇的电影是著名的“必须看三遍才能大概了解”的电影。当然，大多数的观众在最初的十五分钟就会断然离开。据说〈〈我心狂野〉〉的试映现场三百五十位观众离席了三百人。

林奇如此著名，和如此的不著名，是非常有意思的事，应该说，即便在邪典电影导演中，也是非常罕见的。今年他被授予金狮终身成就奖，我一方面觉得吃惊，这个奖励不该给林奇：他还不够老，远远谈不上终生。一个终生成就，就像一块来得太早的墓碑。一面又觉得没有什么悬念：这几年，邪典盛行。彼得　杰克逊即将成为好莱坞的帝王，大卫　柯南伯格凭借《暴力史》声名雀起，《罪恶城市》将黑色电影推向伟大??世界电影主流市场对这些具备实验性质的邪典电影越来越接纳。事实上，这些电影就像大卫　林奇本人一样，其实并没有太多超过世俗道德底线的地方，对眼界少许开阔的人来说，正常得不可救药。他只不过是一个品位优良，好奇心旺盛，有点不良小趣味和怪诞野心的好市民罢了。

我个人最喜欢林奇的电影仍旧是《我心狂野》。第一次看《我心狂野》是非常尴尬的体验。我和我娘一起看的。没完没了的做爱，就像标点一般分隔段落，我娘的脸色越来越难看。我在她发作之前按了暂停。之后当然趁无人在家的时候好好看了一遍。我喜欢里面穿着标志性蛇纹夹克的年轻的尼古拉斯　凯奇。那个面孔其实有点丑怪的男子，在电影里酷得要命，孔武有力。而他总是用一种带着悲剧宿命的眼神，像能看穿一个星球那样注视着女主角。他的肢体极其暴烈，但是面对心爱的女人，则表达出尊重，克制，和惊人的温柔。他们之间的爱情是真正的浪漫吧。在东方电影中很难目睹这样的一对：他们彼此真正的处于平等的地位，他们享受，他们真实，他们分享彼此的内心深处。当凯奇唱着冰淇淋一样甜蜜的《温柔的爱我》时，当女主角说“操我！”的时候，我已经为林奇疯狂。他将那些星星点点钻石一般的美丽的东西镶嵌在泥沙，泡沫，粪便和垃圾之间。

按说这部电影最让人印象深刻的，应该是向〈绿野仙踪〉致敬的那条著名的黄砖路。尤其是这是一部公路片。但是我每逢想起这部电影，总是想起男女主角沿途中住宿的那些汽车旅馆，那些房间。幽闭，没有出路。这些房间让我联想到做爱。廉价的旅馆，在下午四点。横条纹的木头百叶窗，影子斑驳的投影在地上。阻挡了外界的声音，和光。电风扇在徐徐旋转，有点们，但是不热。只有一张并不算大的床，白床单。墙壁上有一些手印，地板上也有一些香烟烫坏的疤痕。浴缸坏了，发出水流声。除此之外，再无其他。除了做爱，再无其他。我喜欢〈我心狂野〉大概就是因为热爱这种极度明亮绚烂的热情吧。

我最欣赏大卫　林奇的就是他的玩票似的姿态。他写电视剧，〈双峰〉一度风靡，他画画，据说很不错，他玩音乐，做平面设计，他还是制作人，摄影师和工程师??他的电影，往往使我由衷向往的，就是那种不把电影当成灵魂姿态来雕塑，当然也不让电影沦为生计的那种玩乐心。他的电影不需要过度解读，魅力就在于那种恍惚。我相信真正的灵感，都是无法解读的。林奇的电影，呈现出真正癫狂的自由，和那种完全自我的趣味，实在让我羡慕不已。只有在看他的电影的时候，我心才能狂野，甚至，比林奇更狂野。

大卫.林奇的《我心狂野》(Wild at Heart, 1990)为导演收获了一尊金棕榈大奖。这是一部充满性和暴力的超现实影片。讲述的是一对年轻的恋人塞勒/Sailer（Nicolas Cage）和露娜/Luna （Laura Dern）深深地爱着彼此。而露娜的母亲玛丽埃塔/Marietta是个控制欲极强的女人。为了阻止露娜和塞勒来往，她派出了众多杀手要干掉塞勒。一对年轻人为了要在一起，开始亡命天涯。而玛丽埃塔和她所派出的杀手亦随行而至。

电影中的美国是个荒诞的世界。火柴被点亮时的特写、巫婆的影像、红色的长指甲、水晶球、以及人物那莫名其妙的歇斯底里，都被导演用来将电影的叙事结构割的支离破碎。林奇没有解释人物行动的动机，也没有过多地给人物关系做注释，一切都显得如此不真实，如此的不可理喻。而在这背后是电影处处流露出的不安、狂躁和迷茫感。

剧中的每个人不是被一个只属于他/她的梦魇缠绕， 就是其本身便代表着一个梦魇。塞勒在他那张扬不羁的外表下隐藏着自卑和对责任的害怕。露娜虽然一路上合塞勒不停的做爱，但她对自己对性欲望的把握和对家庭有着深深的恐惧感。而藏在玛丽埃塔那充满神经质的控制欲后面的，不仅仅是害怕失去女儿后的孤独，也有对青春流逝的惶恐。听命于玛丽埃塔的私人侦探强尼/Johnnie（Harry Dean Stanton）则害怕失去玛丽埃塔对他的依赖。玛丽埃塔派出的情人杀手桑托斯/Santos (J. E. Freeman)则害怕强尼会破坏他和玛丽埃塔的关系。 公路上出了车祸的女孩在临死前还因害怕母亲的责怪，而拚命寻找丢失的钱包……

林奇的电影往往将观众划分到两个极端。要么捧杀，要么棒杀。前者认为他那迷般的电影语言让人如痴如醉，欲罢不能；而后者则认为他的电影毫无头绪，莫名其妙到不可理喻。而对于《我心狂野》这部片子，林奇自己的解释是，这是个地狱中找爱的故事。和众多公路电影一样， 《我心狂野》中的一对亡命鸳鸯在寻找他们自我的同时面对着这种各样的诱惑和挑战。而这些诱惑和挑战不仅来自他们周遭的环境和人，还来自于他们自己的内心深处。

可以说，塞勒和露娜在试图逃离玛丽埃塔掌控的同时，他们也开始逐渐地向彼此袒露心声，并以此来释放自己内心深处的恐惧。他俩以自己的狂野不羁的青春冲动向周围的人与环境宣战， 并对社会制度的合法性提出了质疑。而具讽刺意味的是，塞勒和露娜追寻自由的过程也是他们回归理性社会的过程。尤其是当周遭的世界是如此的疯狂的时候，那逃离它的方式便是回归到一个有序而理智的世界。然而，两人在寻求理智世界的同时，都必须征服自己心中对既定权威以及自我的恐惧感。

爱情是一种信仰。

在“上帝死了”以后，没有什么可以担当的起这个信仰崩溃时代的灵魂体验。精神的追求随着自我的贪欲和恐惧不断的摇摆，物质的诱惑和权力的压抑让自我变得无所适从。人们内心深处的暴力与温柔不断的交织，而只有爱情，才能引导人，走出自我的黑暗，打破权力的禁锢，找到一线光明。

然而，爱情又是脆弱的。当心底的恐惧裹挟着淫欲迎面袭来时，当自我的贪欲不断物化时，爱情瞬间崩塌，权力伸出她温柔的双臂，紧紧地将你抱紧，让你窒息。

“this whole world wild at heart and weird on top”这就是这部电影所描述的主题。

现象不断的变化，人们在这些荒诞的戏剧中不断的迷失，就好像这部电影的观众。

从总体的叙事结构来说，这部电影还是采取了经典的结构。主角是塞勒和卢拉，其他的角色都是这两个主角的延伸，他们并不是因为某种故事的需要，而是为了完善主角的特性而出现。如同唐璜的仆人是为了完善唐璜的极端感官性（或称淫欲），堂吉诃德的仆人是为了完善他的英勇和单纯。

这个关键的人物，在电影中叫波比。他一出现，电影的气氛便由狰狞和恐怖变成怪诞。

他勾引卢拉的那一段中，卢拉看到了她的内心，因淫欲裹挟着恐惧。恐惧如同淫欲的催化剂，让自我消失在恐惧的狰狞表情之下，淫欲变如泉水般喷涌上来。少年的阴影又加深了恐惧的体验，回忆回游到那个恐惧的源头，那里，是淫欲和恐惧同时征服了自我的地方。于是，恐惧便如催化剂使淫欲如火焰般高长，并在火焰烧过的地方，留下黑色的焦土和自我憎恨的泪水。

他引诱塞勒朝着金钱的味道走去，在贪婪的诱惑下，“easy money”成为灵魂的方向，它指引着塞勒的灵魂朝着异化的快乐方向。爱情在这一刻被贪欲打败，自我在彷徨不知所措中落入黑暗的陷阱。塞勒心底里的暴力被唤醒，由他的怒吼爆发，如同火柴燃烧般迅速占领了他的自我。

自我深处的暴力，在影片的一开始就通过血腥的方式表达了出来。塞勒疯狂的动作，满地的鲜血和他嘴边的一丝微笑，都在这里成为展示人性底层罪恶的图画。

卢拉的母亲，是自我追求权力与控制的象征。自我因淫欲点起自我毁灭的火焰，如妓女换夫般的更换权力者，以期达到她控制一切的欲望。那些被她摒弃的权力者们，不是被她用火焰吞噬，就是被权力的恐怖自戕。而权力，不正是这样吗？一直和淫荡如影随行。连自身的恐怖，都如同欲望饥渴的吼叫。

但是，这并不是本片根本的主题。这部无疑书写着爱情神话的电影，其最终表达的仍是如“真爱无敌”般的爱情崇高的神性。

我们对爱情顶礼膜拜，歌声是爱情信仰的弥撒；鲜花是爱情上帝的圣餐杯；而性，则是圣餐中最甜蜜的葡萄酒。

这一切，都在电影中不断的出现呈现，只是鲜花变成了80年代刺眼的红唇。

而在诸多权力的阻碍和自我迷失之后，内心的狂野也在现象的迷宫中走失。当塞勒面对自己爱情的果实时，竟会觉得陌生，也没有任何办法重新拾起那段似乎燃尽的爱情。

但当他重新回归真挚的自我的那一刻，他心中的仙女又一次点燃了他内心的狂野火花，重新找到了爱情美丽的信仰，并回到了永恒的幸福乐园。

权力却因爱情的神性与永恒，撕下了美丽的魔鬼面具（仅仅6年便苍老到难以置信的地步），在爱情燃烧的火焰中化为绝望的尘埃。

这部关于爱情神性的影片，无愧于林奇最伟大的称号。



不喜欢这部电影的人们，对不起，这部电影是史诗级的。